Habrá a quien le sorprenda el título de «Submarino», más aún en una película danesa que no tiene absolutamente nada que ver con el cine bélico. Hace referencia a la práctica de tortura que se conoce con ese nombre, la cual consiste en sumergir la cabeza de la víctima maniatada en el agua, mientras el verdugo la sujeta fuertemente con el brazo hasta que se hacen visibles los primeros síntomas de asfixia.

En este caso, se podría utilizar perfectamente la extendida expresión «no levantar cabeza», porque los dos hermanos protagonistas de «Submarino» nunca consiguen salir de la miseria. Desde un punto de vista objetivo, no cabe sino hablar de exclusión social y de los condicionamientos de clase, habida cuenta de que ambos crecieron en un hogar miserable abonado a los traumas de infancia que marcan para toda la vida. No obstante, conviene poner el acento en que son daneses y dependientes de una educación calvinista. Lo que llamamos el destino en términos religiosos, es interpretado como la consecuencia del pecado original. Y la película incide bastante en que los protagonistas están pagando por algo que ocurrió en el pasado, por algo que heredaron de su madre alcohólica, y eso es lo que, tras muchos años alejados el uno del otro, volverá a unirles.

Cine no dogmático

El sexto largometraje de Thomas Vinterberg, fue muy bien recibido en la Berlinale por la crítica, siendo postulado como favorito para el Oso de Oro junto con «The Ghost Writer», de Roman Polanski. El entusiasmo es comprensible, dado que, desde que realizara «Celebración» hace doce años, el cineasta danés había perdido el rumbo. Ni en la etapa rodada en inglés, ni en su posterior regreso a Dinamarca con una comedia localista, pudo dar la verdadera medida de sus posibilidades. Por fin, «Submarino» parece devolverle a ese lugar de atención que logró alcanzar con el arranque del movimiento Dogma 95.

Hoy en día, Vinterberg reniega del Dogma, porque a la larga no se puede defender un movimiento que coarta la libertad creativa y la somete a una serie de restricciones. Se quiso creer que la dogmatización era una llave para hacer películas más auténticas, menos artificiosas. Sin embargo, el paso del tiempo ha demostrado que se puede profundizar en el drama nórdico sin necesidad de etiquetas o marcas, simplemente con que el cineasta sea fiel a sí mismo, y no a las convenciones establecidas por un colectivo.

La prueba es que en la Berlinale hubo una coincidencia general a la hora de considerar que «Submarino» es el drama más duro que ha hecho Vinterberg. Y lo es, gracias a que no pretende ninguna ruptura, sino que conecta con otras sensibilidades de autores como Ken Loach o los hermanos Dardenne, quienes también reflejan en sus películas la realidad impedida de los sectores más desfavorecidos de la población. «Submarino» no puede ser un drama más crudo y descarnado, carente por completo de sentimentalismos o de paternalismos.

Padre en solitario

De los dos hermanos de la novela de Jonas T. Bengtsson en que se basa la película, Vinterberg parece identificarse más con el pequeño. Escribió el guión adaptado en compañía de su colaborador Tobias Lidholm en un periodo especialmente crítico y delicado para él, cuando se enfrentaba a la separación de su mujer y a los miedos a no ser capaz de educar a su hijo en solitario. El menor, es un yonqui que tiene un hijo a su cargo y trafica don droga para poder mantenerlo. El verse desahuciado, no le impide intentar ocuparse del niño, al que desea librar de una infancia tan terrible como la suya.

Al mayor no le van mejor las cosas, habiendo pasado una larga estancia en la cárcel. Una vez fuera, se obsesiona con el culturismo, como si el machacarse en el gimnasio le liberara de tener que pensar en su desgraciada existencia. Cada vez que las penas del pasado vuelven a su cabeza, trata de ahogarlas en litros de alcohol, practicando el submarino con ellas.

«Submarino» tiene una estructura narrativa no lineal, que combina las acciones en paralelo de los dos hermanos con saltos en el tiempo, en forma de regresiones a la niñez. La cámara evita la dispersión ambiental para focalizar el drama humano, lo que potencia el trabajo interpretativo de Jacob Cedergren y Peter Plaugborg, que no pueden estar más sobrios y ajustados a los inmisericordes personajes. Solamente el final abierto a la esperanza deja un resquicio para tomar aire y seguir con vida, permitiendo así que el espectador no caiga en un pozo depresivo sin fondo. Con todo, no es fácil recuperarse de una sesión de cine tan dolorosa.